جديد

آرث العصور الوسطى في أوروبا - التاريخ

آرث العصور الوسطى في أوروبا - التاريخ


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

فن

خلال هذا الوقت ، كانت جميع اللوحات تقريبًا لمشاهد دينية. تم عمل معظمها كجدارية لتزيين داخل وخارج الكنائس. كان هذا النوع من الأعمال الفنية عادةً هشًا للغاية بحيث لا يتحمل ويلات الزمن ولم ينج سوى عدد قليل منهم حتى يومنا هذا. كان المنفذ الرئيسي الآخر لفناني ذلك الوقت هو الكتب المضيئة.


فن القرون الوسطى

في عام 476 م ، خلع جندي اسمه فلافيوس أودواكر الإمبراطور الروماني رومولوس وتوج "ملكًا لإيطاليا" تحت سلطة إمبراطور القسطنطينية. شهد أول ملك لإيطاليا نهاية الإمبراطورية الرومانية ، التي أصبحت الآن تابعة للقوة العظمى العالمية الجديدة ، الإمبراطورية البيزنطية. لكن القسطنطينية كانت بعيدة عن إيطاليا ، وانقسمت ممتلكات روما الشاسعة إلى عدد لا يحصى من القبائل "البربرية" المتحاربة. روما ، على الرغم من كل عنفها ، كانت قد جمعت العالم الغربي معًا ، وفي غيابهم ، ساد كل شيء. أدت الفوضى والتطور الذي أعقب ذلك إلى ظهور فن العصور الوسطى المبكر.

يعد فن العصور الوسطى المبكر مفهومًا غريبًا ومجزئًا. عندما طورت القسطنطينية أنماطها البيزنطية الرسمية ، كان هناك شيء أكثر وحشية يحدث في أوروبا. يمتد على مدار 700 عام ويشمل العصور المظلمة وصعود وسقوط إمبراطورية الفرنجة وسيطرة الكنيسة المسيحية بالكامل تقريبًا على الفن الغربي ، ومن الممكن تقسيم فن العصور الوسطى المبكر إلى العديد من الحركات الفرعية الإقليمية. يصف فن الهجرة أعمال الغال والقوط الغربيين الذين استقروا في شظايا الإمبراطورية الرومانية ، ونما الفن الجزائري في بريطانيا وأيرلندا بعد انتهاء الاحتلال الروماني ، وأدى الفن الكارولنجي إلى إحياء الأساليب الكلاسيكية التي تطورت إلى الإضاءة والهندسة المعمارية القوية. على الطراز الرومانسكي.

ولكن لأغراضنا ننظر إلى العصور الوسطى المبكرة ككل ، لأنها تعود إلى موضوع مشترك. في الاضطرابات السياسية التي أعقبت سقوط روما ، احتاج المجتمع إلى مرساة ، وقد هبط على الكنيسة المسيحية سريعة النمو. في جميع أنحاء أوروبا ، تمكنت المسيحية من عبور الحدود السياسية واكتسبت موطئ قدم هائل. نشأت الكنائس كمراكز ثقافية ، وبين 430 و 570 من رجال الدين المسيحيين جلبوا حكم القديس أوغسطين إلى أوروبا ، وأنشأوا طبقة رهبانية مكرسة للتعليم والفن والخدمة العامة.

بحلول عام 1000 م ، كانت الكنيسة المسيحية مركزًا للعلوم والفن والثقافة. قام الرهبان والراهبات بتعليم الناس العاديين كيفية قراءة وكتابة الأدب القديم وحفظه ، بما في ذلك أعمال أوفيد وأرسطو. كتبت الكاتبة هيلدغارد من بينغن في القرن الحادي عشر نصوصًا طبية وألّفت الموسيقى ، وجمعت القس هيراد من لاندسبيرغ أول موسوعة مؤلفة من نساء ، بما في ذلك الكتابات الإسلامية جنبًا إلى جنب مع الكلاسيكيات اليونانية.

الفن المبكر في العصور الوسطى لا ينتهي تمامًا ، إنه تطور حوالي 1200 م. مع الاستقرار السياسي وتطور التقنيات الجديدة ، ظهرت الحركة القوطية في الأقبية المضلعة والدعامات الطائرة لسلالة جديدة من الكاتدرائيات.


محتويات

شهدت القرون العديدة الأولى من العصور الوسطى في أوروبا - حتى حوالي 800 بعد الميلاد - انخفاضًا في الازدهار والاستقرار والسكان ، تلاها زيادة مطردة وعامة إلى حد ما حتى الانتكاسة الهائلة للموت الأسود حوالي عام 1350 ، والتي تُقدر قتل ما لا يقل عن ثلث إجمالي السكان في أوروبا ، مع معدلات أعلى بشكل عام في الجنوب وأقل في الشمال. لم تستعد العديد من المناطق مستويات سكانها السابقة حتى القرن السابع عشر. تشير التقديرات إلى أن عدد سكان أوروبا وصلوا إلى نقطة منخفضة بحوالي 18 مليونًا في عام 650 ، وتضاعفوا حوالي عام 1000 ، ووصلوا إلى أكثر من 70 مليونًا بحلول عام 1340 ، قبل الموت الأسود مباشرة. في عام 1450 كان لا يزال 50 مليونًا فقط. بالنسبة لهذه الأرقام ، ساهم شمال أوروبا ، وخاصة بريطانيا ، بنسبة أقل من اليوم ، وجنوب أوروبا ، بما في ذلك فرنسا ، بنسبة أعلى. [3] زيادة الرخاء ، بالنسبة لأولئك الذين نجوا ، كانت أقل تأثرا بكثير من الموت الأسود. حتى القرن الحادي عشر تقريبًا ، كانت معظم أوروبا تعاني من نقص العمالة الزراعية ، مع وجود مساحات كبيرة من الأراضي غير المستغلة ، واستفادت الزراعة في العصور الوسطى من العصر الدافئ حتى حوالي عام 1315. [4]

شهدت فترة القرون الوسطى في النهاية سقوط الغزوات والتوغلات من خارج المنطقة التي ميزت الألفية الأولى. أدت الفتوحات الإسلامية في القرنين السادس والسابع إلى إزاحة شمال إفريقيا بشكل مفاجئ ودائم عن العالم الغربي ، وخلال الفترة المتبقية استولت الشعوب الإسلامية تدريجيًا على الإمبراطورية البيزنطية ، حتى نهاية العصور الوسطى عندما كانت أوروبا الكاثوليكية ، بعد استعاد شبه الجزيرة الأيبيرية في الجنوب الغربي ، مرة أخرى تحت التهديد الإسلامي من الجنوب الشرقي.

في بداية العصور الوسطى ، كانت معظم الأعمال الفنية المهمة نادرة جدًا وباهظة الثمن مرتبطة بالنخب العلمانية أو الأديرة أو الكنائس الكبرى ، وإذا كانت دينية ، فقد أنتجها الرهبان إلى حد كبير. بحلول نهاية العصور الوسطى ، يمكن العثور على أعمال ذات أهمية فنية كبيرة في القرى الصغيرة وأعداد كبيرة من المنازل البرجوازية في المدن ، وكان إنتاجها في العديد من الأماكن صناعة محلية مهمة ، مع فنانين من رجال الدين الآن الاستثناء. ومع ذلك ، فإن قاعدة القديس بنديكتوس سمحت ببيع الأعمال الفنية من قبل الأديرة ، ومن الواضح أن الرهبان طوال هذه الفترة قد ينتجون الفن ، بما في ذلك الأعمال العلمانية ، تجاريًا لسوق غير رسمي ، وستقوم الأديرة بتوظيف المتخصصين المتخصصين عند الضرورة. [5]

قد تترك الأعمال الباقية انطباعًا بأن كل فن العصور الوسطى تقريبًا كان دينيًا. هذا أبعد ما يكون عن الحالة على الرغم من أن الكنيسة أصبحت غنية جدًا خلال العصور الوسطى وكانت مستعدة في بعض الأحيان للإنفاق ببذخ على الفن ، كان هناك أيضًا الكثير من الفن العلماني بجودة مماثلة والذي عانى من معدل أعلى بكثير من البلى والخسارة والدمار. افتقرت العصور الوسطى عمومًا إلى مفهوم الحفاظ على الأعمال القديمة لمزاياها الفنية ، على عكس ارتباطها بشخصية قديس أو مؤسس ، وتميل الفترات التالية من عصر النهضة والباروك إلى التقليل من شأن فن العصور الوسطى. كانت معظم المخطوطات الفاخرة المزخرفة في العصور الوسطى المبكرة تحتوي على أغلفة كتب مغلفة للكنوز الفخمة من المعادن الثمينة والعاج والجواهر. لموادهم القيمة في مرحلة ما.

تم إعادة بناء معظم الكنائس ، في كثير من الأحيان عدة مرات ، ولكن فقدت قصور العصور الوسطى والمنازل الكبيرة بمعدل أكبر بكثير ، وهو ما ينطبق أيضًا على تجهيزاتها وزخارفها. في إنجلترا ، بقيت الكنائس على حالها إلى حد كبير منذ كل قرن منذ القرن السابع ، وبأعداد كبيرة بالنسبة للكنائس اللاحقة - لمدينة نورويتش وحدها 40 كنيسة من العصور الوسطى - ولكن من بين عشرات القصور الملكية لم يبق منها ما قبل القرن الحادي عشر ، و فقط حفنة من بقايا الفترة المتبقية. [6] الوضع مشابه في معظم أوروبا ، على الرغم من أن قصر البابوات في أفينيون الذي يعود إلى القرن الرابع عشر لا يزال سليماً إلى حد كبير. العديد من الخلافات العلمية الأطول حول تاريخ وأصل الأعمال الفردية تتعلق بالقطع العلمانية ، لأنها نادرة جدًا - رفض المتحف البريطاني بروش الأنجلو ساكسوني فولر باعتباره مزيفًا غير قابل للتصديق ، وعلماني صغير قائم بذاته تعد المنحوتات البرونزية نادرة جدًا لدرجة أن تاريخ وأصل وحتى أصالة أفضل مثالين قد تم الجدل عليه لعقود. [7]

يعد استخدام المواد القيمة أمرًا ثابتًا في فن العصور الوسطى حتى نهاية الفترة ، حيث تم إنفاق أكثر بكثير على شرائها من دفع رواتب الفنانين ، حتى لو لم يكن هؤلاء رهبانًا يؤدون واجباتهم. تم استخدام الذهب في أغراض الكنائس والقصور ، والمجوهرات الشخصية وتركيبات الملابس ، و- مثبتًا في الجزء الخلفي من الفسيفساء الزجاجي- كخلفية صلبة للفسيفساء ، أو تم استخدامه كأوراق ذهبية على المنمنمات في المخطوطات واللوحات. تم صنع العديد من الأشياء التي تستخدم المعادن الثمينة مع العلم أن قيمة سبائكها يمكن أن تتحقق في وقت لاحق - فقط قرب نهاية الفترة يمكن استثمار الأموال بخلاف العقارات ، باستثناء المخاطرة الكبيرة أو عن طريق ارتكاب الربا.

تم استخدام الصباغ الأكثر تكلفة ، المصنوع من اللازورد المطحون الذي يمكن الحصول عليه فقط من أفغانستان ، ببذخ في الفترة القوطية ، في كثير من الأحيان للعباءة الخارجية الزرقاء التقليدية للسيدة العذراء أكثر من السماء. كان العاج ، الذي غالبًا ما يتم رسمه ، مادة مهمة حتى نهاية الفترة ، مما يوضح جيدًا التحول في الفن الفاخر إلى الأعمال العلمانية في بداية الفترة ، حيث تحولت معظم الاستخدامات من diptychs القنصلية إلى الأشياء الدينية مثل أغلفة الكتب والمخازن و croziers ، ولكن في الفترة القوطية ، أصبحت حالات المرايا العلمانية والصناديق والأقراص المزخرفة شائعة بين الأثرياء. نظرًا لأنه نادرًا ما يمكن إعادة تدوير الألواح العاجية الرفيعة المنحوتة في أعمال أخرى ، فإن عدد الباقين على قيد الحياة مرتفع نسبيًا - وينطبق الشيء نفسه على صفحات المخطوطات ، على الرغم من إعادة تدويرها غالبًا عن طريق الكشط ، ومن ثم تصبح طواحين.

حتى هذه المواد الأساسية كانت باهظة الثمن: عندما خطط دير مونكويرماوث الأنجلو ساكسوني - جارو لابتكار ثلاث نسخ من الكتاب المقدس في عام 692 - نجت واحدة منها باسم Codex Amiatinus - كانت الخطوة الأولى اللازمة هي التخطيط لتربية الماشية لتوفير 1600 عجول لإعطاء الجلد للرق المطلوب. [8]

أصبح الورق متاحًا في القرون الأخيرة من هذه الفترة ، ولكنه كان أيضًا مكلفًا للغاية وفقًا لمعايير اليوم. كشفت دراسة dendrochronology الحديثة أن معظم خشب البلوط للوحات المستخدمة في الرسم الهولندي المبكر للقرن الخامس عشر قد تم قطعه في حوض فيستولا في بولندا ، حيث تم شحنه عبر النهر وعبر بحر البلطيق وبحر الشمال إلى الموانئ الفلمنكية ، قبل أن يتم محنك لعدة سنوات. [9]

يعد الفن في العصور الوسطى موضوعًا واسعًا ويقسمه مؤرخو الفن تقليديًا إلى عدة مراحل أو أنماط أو فترات واسعة النطاق. لم تبدأ فترة العصور الوسطى ولا تنتهي بدقة في أي تاريخ معين ، ولا في نفس الوقت في جميع المناطق ، وينطبق الشيء نفسه على المراحل الرئيسية للفن خلال هذه الفترة. [10] يتم تغطية المراحل الرئيسية في الأقسام التالية.

يغطي الفن المسيحي المبكر ، الذي يوصف بشكل عام بالفن العتيق المتأخر ، الفترة من حوالي 200 (التي لم يبق قبلها أي فن مسيحي مميز) ، حتى بداية النمط البيزنطي بالكامل في حوالي 500. لا تزال هناك آراء مختلفة حول متى تبدأ فترة القرون الوسطى خلال هذا الوقت ، سواء من حيث التاريخ العام أو على وجه التحديد تاريخ الفن ، ولكن غالبًا ما يتم وضعها في وقت متأخر من هذه الفترة. خلال القرن الرابع الميلادي ، تحولت المسيحية من كونها طائفة شعبية مضطهدة إلى الدين الرسمي للإمبراطورية ، حيث قامت بتكييف الأنماط الرومانية الحالية والأيقونية في كثير من الأحيان ، من كل من الفن الشعبي والإمبراطوري. منذ بداية الفترة ، كانت اللوحات الرئيسية للمقابر في الأنماط الشعبية لسراديب الموتى في روما ، هي البقايا الرئيسية للفن المسيحي ، ولكن في النهاية كان هناك عدد من الفسيفساء الفخمة في الكنائس التي بنيت تحت رعاية الإمبراطورية.

خلال هذه الفترة ، مر الفن الروماني المتأخر بالإمبراطورية بمرحلة "باروكية" مدهشة ، ثم تخلى إلى حد كبير عن الأسلوب الكلاسيكي والواقعية اليونانية لصالح أسلوب أكثر صوفية وهيراطيقية - وهي عملية كانت جارية قبل أن تصبح المسيحية ذات تأثير كبير على الفن الإمبراطوري . ساهمت التأثيرات من الأجزاء الشرقية للإمبراطورية - مصر وسوريا وما وراءهما ، وكذلك التقاليد العامية القوية "المائلة" في هذه العملية.

تُرى الشخصيات في الغالب وهي تحدق في المقدمة في المشاهد ، حيث يميل الفن الكلاسيكي إلى إظهار منظر للملف الشخصي - وقد شوهد التغيير في النهاية حتى على العملات المعدنية. تتراجع خصوصية الصور الشخصية ، وهي قوة كبيرة للفن الروماني ، بشكل حاد ، ويظهر تشريح وأقمشة الأشكال بدرجة أقل من الواقعية. كانت النماذج التي شكّلت منها أوروبا الشمالية في العصور الوسطى على وجه الخصوص فكرتها عن النمط "الروماني" تقريبًا جميع الأعمال الأثرية المتأخرة المحمولة ، ووجدت التوابيت القديمة المنحوتة في جميع أنحاء الإمبراطورية الرومانية السابقة [11] التصميم على إيجاد الكلاسيكية "الأكثر نقاء" في وقت سابق. النماذج ، عنصرًا أساسيًا في الفن all'antica من عصر النهضة. [12]

صعود المسيح و نولي لي tangere، ج. 400 ، مع بقاء العديد من عناصر النمط الكلاسيكي. انظر Drogo Sacramentary لمثل هذا الصعود بعد 450 سنة.

لوحة Ottonian من Magdeburg Ivories ، بأسلوب ضخم جريء مع محاولة قليلة للكلاسيكية ميلان 962-973.

أواخر القرن الرابع عشر بالثلاثي القوطي الفرنسي ، ربما لمالك عادي ، مع مشاهد من حياة العذراء

الفن البيزنطي هو فن الإمبراطورية البيزنطية الناطقة باليونانية التي تشكلت بعد تقسيم الإمبراطورية الرومانية بين النصفين الشرقي والغربي ، وأحيانًا أجزاء من إيطاليا تحت الحكم البيزنطي. ظهرت من العصور القديمة المتأخرة في حوالي 500 م وسرعان ما شكلت تقليدًا متميزًا عن تقليد أوروبا الكاثوليكية ولكن كان لها تأثير كبير عليها. في أوائل العصور الوسطى ، كان أفضل الفن البيزنطي ، غالبًا من ورش العمل الإمبراطورية الكبيرة ، يمثل نموذجًا للتطور والتقنية التي حاول الرعاة الأوروبيون تقليدها. خلال فترة تحطيم الأيقونات البيزنطية في 730-843 ، تم تدمير الغالبية العظمى من الأيقونات (صور مقدسة عادة ما يتم رسمها على الخشب) حتى أن أي اكتشاف اليوم يلقي فهماً جديداً ، ومعظم الأعمال المتبقية موجودة في إيطاليا (روما ورافينا وما إلى ذلك). ، أو مصر في دير سانت كاترين.

كان الفن البيزنطي محافظًا للغاية ، لأسباب دينية وثقافية ، لكنه احتفظ بتقاليد مستمرة من الواقعية اليونانية ، والتي واجهت دافعًا قويًا ضد الواقعية والهيراطيقية. بعد استئناف إنتاج الأيقونات في 843 حتى 1453 ، استمر تقليد الفن البيزنطي بتغييرات قليلة نسبيًا ، على الرغم من أو بسبب التدهور البطيء للإمبراطورية. كان هناك إحياء ملحوظ للأسلوب الكلاسيكي في أعمال فن البلاط في القرن العاشر مثل سفر مزامير باريس ، وطوال الفترة تُظهر إضاءة المخطوطة أنماطًا متوازية ، غالبًا ما يستخدمها الفنان نفسه ، للأشكال المميزة في المنمنمات المؤطرة والمشاهد الصغيرة أو الأشكال غير الرسمية. تمت إضافته بدون إطار في هوامش النص بأسلوب أكثر واقعية. [13]

ظل النحت الضخم بالأشكال من المحرمات في الفن البيزنطي بالكاد أي استثناءات معروفة. لكن النقوش العاجية الصغيرة ، كلها تقريبًا في الوضع الأيقوني (Harbaville Triptych لها تاريخ مشابه لسفينة Paris Psalter ، ولكنها مختلفة تمامًا في الأسلوب) ، كانت تخصصًا ، وكذلك الزخرفة البارزة على الأوعية والأشياء المعدنية الأخرى.

أنتجت الإمبراطورية البيزنطية الكثير من أفضل الفنون في العصور الوسطى من حيث جودة المواد والتصنيع ، مع تركيز إنتاج البلاط على القسطنطينية ، على الرغم من أن بعض مؤرخي الفن شككوا في الافتراض ، الذي لا يزال شائعًا ، بأن جميع الأعمال ذات الجودة الأفضل مع لم يتم إنتاج أي إشارة إلى الأصل في العاصمة. كان تتويج الفن البيزنطي في اللوحات الجدارية والفسيفساء الضخمة داخل الكنائس المقببة ، والتي لم ينج معظمها بسبب الكوارث الطبيعية واستيلاء الكنائس على المساجد.

مارس الفن البيزنطي تأثيرًا متواصلاً على الفن الأوروبي الغربي ، وقدمت روعة البلاط والأديرة البيزنطية ، حتى في نهاية الإمبراطورية ، نموذجًا للحكام الغربيين والرعاة العلمانيين ورجال الدين. على سبيل المثال ، كانت المنسوجات الحريرية البيزنطية ، المنسوجة أو المطرزة في كثير من الأحيان بتصميمات لشخصيات حيوانية وبشرية ، غالبًا ما تعكس التقاليد التي نشأت في الشرق ، لم يتم استبعادها في العالم المسيحي حتى نهاية الإمبراطورية تقريبًا. تم إنتاج هذه ، ولكن ربما لم يكن الأمر كذلك تمامًا ، في ورش إمبراطورية في القسطنطينية ، والتي لا نعرف شيئًا عن عملياتها - غالبًا ما يتم تخمين ورش عمل مماثلة لفنون أخرى ، مع أدلة أقل. كان نمط الأرضية الذهبية في الفسيفساء والأيقونات ومنمنمات المخطوطات شائعًا في جميع أنحاء أوروبا بحلول العصر القوطي. كانت بعض الفنون الزخرفية الأخرى أقل تطوراً نادراً ما يرتفع الخزف البيزنطي فوق مستوى الفن الشعبي الجذاب ، على الرغم من التراث اليوناني القديم والمستقبل المثير للإعجاب في الفترة العثمانية من الأواني الإزنيقية وأنواع أخرى من الفخار.

اتخذ الفن القبطي في مصر مسارًا مختلفًا بعد انفصال الكنيسة القبطية في منتصف القرن الخامس ، ولم يتم دعمها مرة أخرى من قبل الدولة ، وهيمنت التأثيرات المصرية المحلية على إنتاج نمط غير واقعي تمامًا وساذج إلى حد ما لشخصيات ذات عيون كبيرة. تطفو في مساحة فارغة. كان هذا قادراً على التعبير بشكل كبير ، وأخذ المكون "الشرقي" للفن البيزنطي إلى استنتاجاته المنطقية. استخدمت الزخرفة القبطية تصميمات هندسية معقدة ، وغالبًا ما كانت تستبق الفن الإسلامي. نظرًا للمحافظة الممتازة على المدافن المصرية ، فنحن نعرف المزيد عن المنسوجات التي يستخدمها الأقل ثراءً في مصر أكثر من أي مكان آخر. غالبًا ما تم تزيينها بشكل متقن بتصميمات تصويرية ونقوش. أظهرت التقاليد المحلية الأخرى في أرمينيا وسوريا وجورجيا وأماكن أخرى بشكل عام أقل تعقيدًا ، ولكنها غالبًا ما تكون أكثر نشاطًا من فن القسطنطينية ، وفي بعض الأحيان ، خاصة في الهندسة المعمارية ، يبدو أنه كان لها تأثير حتى في أوروبا الغربية. على سبيل المثال ، يظهر هنا منحوتات رمزية على السطح الخارجي للكنائس قبل عدة قرون من رؤيتها في الغرب. [14]

يصف فن فترة الهجرة فن الشعوب الجرمانية وأوروبا الشرقية "البربرية" الذين كانوا في حالة تنقل ، ثم استقروا داخل الإمبراطورية الرومانية السابقة ، خلال فترة الهجرة من حوالي 300-700 ، يغطي المصطلح الشامل مجموعة واسعة من الإثنيات. أو الأساليب الإقليمية بما في ذلك الفن الأنجلوساكسوني المبكر ، والفن القوطي الغربي ، وفن الفايكنج ، والفن الميروفنجي ، وكلها استفادت من نمط الحيوان وكذلك الزخارف الهندسية المستمدة من الفن الكلاسيكي. بحلول هذه الفترة ، وصل نمط الحيوان إلى شكل أكثر تجريدًا مما كان عليه في الفن السيثي السابق أو أسلوب La Tène. كانت معظم الأعمال الفنية صغيرة الحجم ومحمولة ، وتلك التي نجت هي في الغالب مجوهرات وأعمال معدنية ، مع التعبير عن الفن في تصميمات هندسية أو تخطيطية ، غالبًا ما يتم تصورها وصنعها بشكل جميل ، مع عدد قليل من الشخصيات البشرية وبدون محاولة للواقعية. تعتبر البضائع القبور الأنجلو ساكسونية المبكرة من Sutton Hoo من بين أفضل الأمثلة.

عندما تم تنصير الشعوب "البربرية" ، تفاعلت هذه التأثيرات مع التقليد الفني المسيحي المتوسطي ما بعد الكلاسيكي ، والأشكال الجديدة مثل المخطوطة المزخرفة ، [15] والقطع النقدية ، التي حاولت محاكاة العملات الرومانية الإقليمية والأنواع البيزنطية. تُظهر العملات القديمة مثل sceat المصممين غير المعتادين تمامًا على تصوير رأس في الملف الشخصي يتصارعون مع المشكلة بعدة طرق مختلفة.

أما بالنسبة للأعمال الأكبر ، فهناك إشارات إلى التماثيل الوثنية الخشبية الأنجلو ساكسونية ، والتي فقدت جميعها الآن ، وفي الفن الإسكندنافي ، تم الحفاظ على تقليد الأحجار الرونية المنحوتة بعد تحولهم إلى المسيحية. كما نحتت صور سلتيك في اسكتلندا الأحجار قبل التحويل وبعده ، وقد يعكس التقليد الأنجلو ساكسوني والأيرلندي المميز للصلبان الكبيرة المنحوتة في الهواء الطلق الأعمال الوثنية السابقة. يشتمل فن الفايكنج من القرون اللاحقة في الدول الاسكندنافية وأجزاء من الجزر البريطانية على أعمال من خلفيات وثنية ومسيحية ، وكان أحد آخر الأزهار المزهرة لهذه المجموعة الواسعة من الأساليب.

الفضة الأنجلو ساكسونية ، كينت ، ج. 720. رأس مقلوب يحمل صليبًا ، ثعبان برأس ذئب.

أجزاء من مدخل خشبي نرويجي من القرن الثاني عشر على طراز أورنز

يشير الفن الجزائري إلى الأسلوب المتميز الموجود في أيرلندا وبريطانيا منذ حوالي القرن السابع وحتى القرن العاشر تقريبًا ، واستمر لاحقًا في أيرلندا وأجزاء من اسكتلندا. شهد النمط اندماجًا بين تقاليد الفن السلتي وفن فترة الهجرة الجرمانية للأنجلو ساكسون والأشكال المسيحية للكتاب والصلبان العالية والأعمال المعدنية الليتورجية.

زخرفة حيوانية مفصلة للغاية هندسية ومتشابكة ومنمقة ، مع أشكال مشتقة من الأعمال المعدنية العلمانية مثل الدبابيس ، منتشرة بجرأة عبر المخطوطات ، وعادة ما تكون كتب الإنجيل مثل كتاب كلس ، مع صفحات سجاد كاملة مخصصة لمثل هذه التصميمات ، وتطوير الزخرفة الكبيرة والتاريخ الأولي. كان هناك عدد قليل جدًا من الشخصيات البشرية - غالبًا ما كانت هذه صورًا إنجيلية - وكانت هذه فجة ، حتى عند اتباع النماذج العتيقة المتأخرة عن كثب.

تم نقل أسلوب المخطوطة المعزولة إلى القارة بواسطة بعثة Hiberno-Scottish ، وكانت طاقتها المعادية للكلاسيكية مهمة للغاية في تشكيل أنماط العصور الوسطى اللاحقة. في معظم المخطوطات القديمة المتأخرة ، كان النص والزخرفة منفصلين بشكل واضح ، على الرغم من أن بعض الأحرف الأولى بدأت في التوسيع والتفصيل ، لكن المخطوطات الجزرية الرئيسية تأخذ أحيانًا صفحة كاملة لكلمة أولية واحدة أو الكلمات القليلة الأولى (انظر الشكل) في بدايات الأناجيل أو أقسام أخرى في كتاب. كان السماح بالزخرفة "حق التجول" له تأثير كبير على الفن الرومانسكي والقوطي في جميع وسائل الإعلام.

كانت مباني الأديرة التي صنعت لها كتب الإنجيل المعزولة صغيرة آنذاك ويمكن وصفها إلى حد ما بأنها بدائية ، خاصة في أيرلندا. كان هناك على نحو متزايد زخارف أخرى للكنائس ، حيثما أمكن ذلك من المعادن الثمينة ، وبقي عدد قليل منها على قيد الحياة ، مثل Ardagh Chalice ، جنبًا إلى جنب مع عدد أكبر من القطع المزخرفة للغاية والمصنوعة بدقة من المجوهرات العلمانية ذات المكانة العالية ، ومن المحتمل أن تكون الدبابيس السلتية قد تم ارتداؤها بشكل رئيسي من قبل الرجال ، ومنهم تارا بروش هو الأكثر روعة.

"Franco-Saxon" هو مصطلح لمدرسة الإضاءة الكارولنجية المتأخرة في شمال شرق فرنسا التي استخدمت زخرفة على الطراز المعزول ، بما في ذلك الأحرف الأولى الكبيرة جدًا ، وأحيانًا مع صور رمزية نموذجية للأنماط الفرنسية المعاصرة. "الأكثر ثباتًا من بين جميع الأنماط الكارولنجية" ، استمرت حتى أواخر القرن الحادي عشر. [16]

النسخة الكارولنجية من أسلوب Insular - قارن "Liber Genis." أعلاه.

فرانكو ساكسون "In Principio"، 871-3.

حاشية رومانيسكية ، "مأهولة" بالأشكال ، إنجلترا ، 1190-1200.

يزدهر القلم القوطي النموذجي في نسخة عمل غير مصقولة من إنجيل يوحنا باللغة الإنجليزية ، أواخر القرن الرابع عشر.

يقع الفن الإسلامي في العصور الوسطى خارج نطاق هذه المقالة ، ولكن تم استيراده على نطاق واسع وإعجاب النخب الأوروبية ، وتأثيره بحاجة إلى ذكر. [17] يغطي الفن الإسلامي مجموعة متنوعة من الوسائط بما في ذلك الخط والمخطوطات المصورة والمنسوجات والسيراميك والأعمال المعدنية والزجاج ، ويشير إلى فن البلدان الإسلامية في الشرق الأدنى وإسبانيا الإسلامية وشمال إفريقيا ، على الرغم من عدم وجوده دائمًا بأي حال من الأحوال الفنانون أو الحرفيون المسلمون. على سبيل المثال ، ظل إنتاج الزجاج تخصصًا يهوديًا طوال هذه الفترة ، واستمر الفن المسيحي ، كما في مصر القبطية ، خاصة خلال القرون السابقة ، مع الحفاظ على بعض الاتصالات مع أوروبا. كانت هناك مرحلة تكوينية مبكرة من 600-900 وتطور الأنماط الإقليمية من 900 فصاعدًا. استخدم الفن الإسلامي المبكر فناني الفسيفساء والنحاتين المدربين على التقاليد البيزنطية والقبطية. [18] بدلاً من الرسم على الجدران ، استخدم الفن الإسلامي البلاط المصبوغ منذ عام 862-3 (في الجامع الكبير بالقيروان في تونس الحديثة) ، والذي امتد أيضًا إلى أوروبا. [19] وفقًا لجون روسكين ، يحتوي قصر دوجي في البندقية على "ثلاثة عناصر بنسب متساوية تمامًا - الروماني واللومباردي والعربي. إنه المبنى المركزي للعالم. تاريخ العمارة القوطية هو تاريخ صقل وإضفاء الروحانية على العمل الشمالي تحت تأثيره ". [20]

سيطر الحكام الإسلاميون في نقاط مختلفة على أجزاء من جنوب إيطاليا ومعظم إسبانيا والبرتغال الحديثة ، وكذلك البلقان ، وكلها احتفظت بعدد كبير من السكان المسيحيين. حكم الصليبيون المسيحيون الشعوب الإسلامية على قدم المساواة. الفن الصليبي هو في الأساس مزيج من الأنماط الكاثوليكية والبيزنطية ، مع القليل من التأثير الإسلامي ، ولكن يبدو أن الفن المستعربي للمسيحيين في الأندلس يظهر تأثيرًا كبيرًا من الفن الإسلامي ، على الرغم من أن النتائج لا تشبه إلى حد ما الأعمال الإسلامية المعاصرة. يمكن أيضًا تتبع التأثير الإسلامي في الاتجاه السائد للفن الغربي في العصور الوسطى ، على سبيل المثال في بوابة Romanesque في Moissac في جنوب فرنسا ، حيث يظهر في كل من العناصر الزخرفية ، مثل الحواف الصدفيّة للمدخل ، والزخارف الدائرية على العتبة أعلاه ، وكذلك في الامتلاك المسيح في الجلالة محاطة بالموسيقيين ، والتي أصبحت سمة مشتركة للمشاهد السماوية الغربية ، وربما مشتقة من صور الملوك الإسلاميين في ديوانهم. [21] كان الخط والزخرفة والفنون الزخرفية بشكل عام أكثر أهمية من الغرب. [22]

تم إنتاج الأواني الفخارية الإسبانية الموريسكة في إسبانيا لأول مرة في الأندلس ، ولكن يبدو أن الخزافين المسلمين قد هاجروا إلى منطقة كريستيان فالنسيا ، حيث قاموا بإنتاج أعمال تم تصديرها إلى النخب المسيحية في جميع أنحاء أوروبا. جاءت السلع الكمالية ، ولا سيما المنسوجات الحريرية والسجاد ، من العالم الإسلامي الشرقي الأكثر ثراءً بشكل عام [24] (ومع ذلك ، لم تكن القنوات الإسلامية إلى أوروبا غرب النيل أكثر ثراءً) ، [25] حيث مر العديد منها بالبندقية. [26] ومع ذلك ، بالنسبة للجزء الأكبر من المنتجات الفاخرة لثقافة البلاط ، مثل الحرير والعاج والأحجار الكريمة والمجوهرات ، تم استيرادها إلى أوروبا فقط في شكل غير مكتمل وتم تصنيعها في المنتج النهائي المسمى "شرقي" من قبل الحرفيين المحليين في العصور الوسطى. [27] كانت خالية من تصوير المشاهد الدينية ومزينة عادة بالزخارف ، مما جعلها سهلة القبول في الغرب ، [28] وبحلول أواخر العصور الوسطى ، كان هناك نمط للتقليد الكوفي الزائف للنص العربي المستخدم بشكل زخرفي في الفن الغربي.

ما قبل الرومانسيك هو مصطلح للهندسة المعمارية وإلى حد ما الفن التصويري والمحمول الذي وجد في البداية في جنوب أوروبا (إسبانيا وإيطاليا وجنوب فرنسا) بين الفترة العتيقة المتأخرة إلى بداية العصر الروماني في القرن الحادي عشر. يشكل الفن الأوروبي الشمالي تدريجياً جزءًا من الحركة بعد التنصير حيث يستوعب أنماط ما بعد الكلاسيكية. الفن الكارولينجي للإمبراطورية الفرنجة ، وخاصة فرنسا وألمانيا الحديثة ، من حوالي 780-900 أخذ اسمه من شارلمان وهو فن دائرة البلاط وعدد قليل من المراكز الرهبانية تحت رعاية الإمبراطورية ، التي سعت بوعي لإحياء الأنماط "الرومانية" والمعايير التي تليق بإمبراطورية الغرب الجديدة. كما كانت بعض مراكز الإنتاج الكارولنجية رائدة في الأساليب التعبيرية في أعمال مثل سفر المزامير أوترخت وإنجيل إيبو. تم تسجيل النحت المسيحي الضخم لأول مرة ، وأصبح تصوير الشخصية البشرية في المشاهد السردية واثقًا لأول مرة في الفن الشمالي. أنتجت العمارة الكارولنجية مبانٍ أكبر مما شوهد منذ العصر الروماني ، والأعمال الغربية وغيرها من الابتكارات. [29]

بعد انهيار السلالة ، كانت هناك فجوة قبل أن تجلب سلالة جديدة إحياءً في ألمانيا بالفن الأوتوني ، الذي تركز مرة أخرى على البلاط والأديرة ، مع الفن الذي تحرك نحو التعبير العظيم من خلال الأشكال البسيطة التي تحقق الأثرية حتى في الأعمال الصغيرة مثل العاج النقوش والمنمنمات المخطوطة ، وخاصة تلك الموجودة في مدرسة Reichenau ، مثل Pericopes لهنري الثاني (1002-1012). لاحقًا ، كان الفن الأنجلو ساكسوني في إنجلترا ، منذ حوالي 900 ، معبرًا بطريقة مختلفة تمامًا ، مع وجود شخصيات مضطربة وحتى ستائر ربما تظهر بشكل أفضل في العديد من الرسومات بالقلم في المخطوطات. كان للفن المستعربي في إسبانيا المسيحية تأثير إسلامي قوي ، ونقص كامل في الاهتمام بالواقعية في منمنماته الملونة ببراعة ، حيث يتم تقديم الأشكال على أنها أنماط مسطحة تمامًا. كلاهما كان لهما تأثير على تشكيل النمط الروماني في فرنسا. [30]

صورة كارولينجيان إنجيلي من Codex Aureus of Lorsch ، باستخدام نموذج قديم متأخر ، أواخر القرن الثامن

لوحة إنجيلية كارولينجية أخرى بأسلوب الواقعية اليونانية / البيزنطية ، ربما لفنان يوناني ، في أواخر القرن الثامن أيضًا. [31]

منمنمة مستعربة بيتوس ، أواخر القرن العاشر.

تحقق نهاية العالم في بامبرغ ، من مدرسة أوتونيان ريتشيناو ، أثرًا على نطاق صغير. 1000-1020.

تطور الفن الرومانسكي في الفترة ما بين حوالي 1000 إلى ظهور الفن القوطي في القرن الثاني عشر ، بالتزامن مع ظهور الرهبنة في أوروبا الغربية. تطور الأسلوب في البداية في فرنسا ، لكنه امتد إلى إسبانيا المسيحية وإنجلترا وفلاندرز وألمانيا وإيطاليا وأماكن أخرى ليصبح أول أسلوب من العصور الوسطى موجود في جميع أنحاء أوروبا ، على الرغم من وجود اختلافات إقليمية. [32] تزامن وصول الأسلوب مع زيادة كبيرة في بناء الكنائس ، وفي حجم الكاتدرائيات والكنائس الأكبر حجمًا أعيد بناء العديد منها في فترات لاحقة ، ولكن غالبًا ما وصلت إلى حجمها الحالي تقريبًا في فترة الرومانسيك. تهيمن الجدران السميكة على العمارة الرومانية ، والهياكل الضخمة التي تم تصورها على أنها شكل عضوي واحد ، مع أسقف مقببة ونوافذ وأقواس مستديرة الرأس.

يلعب النحت التصويري ، الذي تم رسمه في الأصل بألوان زاهية ، دورًا أساسيًا ومهمًا في هذه المباني ، في عواصم الأعمدة ، وكذلك حول البوابات الرائعة ، والتي تتمحور عادةً على طبلة الأذن فوق الأبواب الرئيسية ، كما هو الحال في Vézelay Abbey وكاتدرائية Autun. تعتبر النقوش أكثر شيوعًا من التماثيل القائمة بذاتها في الحجر ، لكن الإغاثة الرومانية أصبحت أعلى بكثير ، مع فصل بعض العناصر تمامًا عن الجدار خلفها. أصبحت المنحوتات الكبيرة مهمة أيضًا ، وخاصة الصلبان الخشبية المطلية مثل Gero Cross منذ بداية الفترة ، وشخصيات مريم العذراء مثل Golden Madonna of Essen. بدأ الملوك ورجال الدين الأعلى في تكليف تماثيل بالحجم الطبيعي لآثار القبور. كان لبعض الكنائس أزواج ضخمة من الأبواب البرونزية مزينة بألواح إغاثة سردية ، مثل أبواب جنيزنو أو تلك الموجودة في هيلدسهايم ، "أول أبواب برونزية مزخرفة مصبوبة في قطعة واحدة في الغرب منذ العصر الروماني" ، ويمكن القول إنها الأفضل قبل عصر النهضة. [33]

كانت معظم الكنائس ذات اللوحات الجدارية على نطاق واسع وفقًا لمخطط نموذجي المسيح في الجلالة في الطرف الشرقي (المذبح) ، أ اخر حكم في الطرف الغربي على الأبواب ، ومشاهد من حياة المسيح تواجه مشاهد مطابقة نمطياً للعهد القديم على جدران صحن الكنيسة. يوجد "أعظم نصب تذكاري لرسومات الجدران الرومانية" ، الذي تم اختزاله كثيرًا عما كان موجودًا في الأصل ، في كنيسة دير سانت سافين سور غارتمبي بالقرب من بواتييه ، حيث يوجد قبو أسطواني دائري للصحن ، والقبو ، والرواق وغيرها. تحتفظ المناطق بمعظم لوحاتها. [34] دورة مماثلة في سانت أنجيلو في فورميس في كابوا في جنوب إيطاليا من قبل رسامين إيطاليين دربهم الإغريق توضح استمرار هيمنة الأسلوب البيزنطي في معظم أنحاء إيطاليا. [35]

غالبًا ما يكون النحت والرسم الرومانيسكيين قويين للغاية ومعبرين ومبدعين للغاية من حيث الأيقونات - الموضوعات المختارة وعلاجها. على الرغم من أن العديد من الميزات المستمدة من الفن الكلاسيكي تشكل جزءًا من أسلوب الرومانسيك ، إلا أن فناني الرومانيسك نادرًا ما أرادوا تحقيق أي نوع من التأثير الكلاسيكي ، باستثناء ربما في فن موسان. [36] مع ظهور الفن من قبل قطاع أوسع من السكان ، وبسبب التحديات من البدع الجديدة ، أصبح الفن تعليميًا بشكل أكبر ، وأصبحت الكنيسة المحلية "إنجيل الرجل الفقير". At the same time grotesque beasts and monsters, and fights with or between them, were popular themes, to which religious meanings might be loosely attached, although this did not impress St Bernard of Clairvaux, who famously denounced such distractions in monasteries:

But in the cloister, in the sight of the reading monks, what is the point of such ridiculous monstrosity, the strange kind of shapely shapelessness? Why these unsightly monkeys, why these fierce lions, why the monstrous centaurs, why semi-humans, why spotted tigers, why fighting soldiers, why trumpeting huntsmen? . In short there is such a variety and such a diversity of strange shapes everywhere that we may prefer to read the marbles rather than the books. [37]

He might well have known the miniature at left, which was produced at Cîteaux Abbey before the young Bernard was transferred from there in 1115. [38]

During the period typology became the dominant approach in theological literature and art to interpreting the bible, with Old Testament incidents seen as pre-figurations of aspects of the life of Christ, and shown paired with their corresponding New Testament episode. Often the iconography of the New Testament scene was based on traditions and models originating in Late Antiquity, but the iconography of the Old Testament episode had to be invented in this period, for lack of precedents. New themes such as the Tree of Jesse were devised, and representations of God the Father became more acceptable. The vast majority of surviving art is religious. Mosan art was an especially refined regional style, with much superb metalwork surviving, often combined with enamel, and elements of classicism rare in Romanesque art, as in the Baptismal font at St Bartholomew's Church, Liège, or the Shrine of the Three Kings at Cologne, one of a number of surviving works by Nicholas of Verdun, whose services were sought across north-western Europe.

Stained glass became a significant art-form in the period, though little Romanesque glass survives. In illuminated manuscripts the bible became a new focus of intensive decoration, with the psalter also remaining important. The strong emphasis on the suffering of Christ and other sacred figures entered Western art in this period, a feature that strongly distinguishes it from both Byzantine and classical art for the remainder of the Middle Ages and beyond. The Gero Cross of 965-970, at the cusp of Ottonian and Romanesque art, has been called the first work to exhibit this. [39] The end of the Romanesque period saw the start of the greatly increased emphasis on the Virgin Mary in theology, literature and so also art that was to reach its full extent in the Gothic period.

Painted ceiling of a Spanish crypt

Jonah swallowed by the whale, capital in the nave of Mozac Abbey

The 12th-century frescos in St Botolph's Church, England, are part of the 'Lewes Group' of Romanesque paintings created for Lewes Priory. [40]

Gothic art is a variable term depending on the craft, place and time. The term originated with the Gothic architecture which developed in France from about 1137 with the rebuilding of the Abbey Church of St Denis. As with Romanesque architecture, this included sculpture as an integral part of the style, with even larger portals and other figures on the facades of churches the location of the most important sculpture, until the late period, when large carved altarpieces and reredos, usually in painted and gilded wood, became an important focus in many churches. Gothic painting did not appear until around 1200 (this date has many qualifications), when it diverged from Romanesque style. A Gothic style in sculpture originates in France around 1144 and spread throughout Europe, becoming by the 13th century the international style, replacing Romanesque, though in sculpture and painting the transition was not as sharp as in architecture.

The majority of Romanesque cathedrals and large churches were replaced by Gothic buildings, at least in those places benefiting from the economic growth of the period—Romanesque architecture is now best seen in areas that were subsequently relatively depressed, like many southern regions of France and Italy, or northern Spain. The new architecture allowed for much larger windows, and stained glass of a quality never excelled is perhaps the type of art most associated in the popular mind with the Gothic, although churches with nearly all their original glass, like the Sainte-Chapelle in Paris, are extremely rare anywhere, and unknown in Britain.

Most Gothic wall-paintings have also disappeared these remained very common, though in parish churches often rather crudely executed. Secular buildings also often had wall-paintings, although royalty preferred the much more expensive tapestries, which were carried along as they travelled between their many palaces and castles, or taken with them on military campaigns—the finest collection of late-medieval textile art comes from the Swiss booty at the Battle of Nancy, when they defeated and killed Charles the Bold, Duke of Burgundy, and captured all his baggage train. [41]

As mentioned in the previous section, the Gothic period coincided with a greatly increased emphasis on the Virgin Mary, and it was in this period that the Virgin and Child became such a hallmark of Catholic art. Saints were also portrayed far more often, and many of the range of attributes developed to identify them visually for a still largely illiterate public first appeared.

During this period panel painting for altarpieces, often polyptyches and smaller works became newly important. Previously icons on panels had been much more common in Byzantine art than in the West, although many now lost panel paintings made in the West are documented from much earlier periods, and initially Western painters on panel were very largely under the sway of Byzantine models, especially in Italy, from where most early Western panel paintings come. The process of establishing a distinct Western style was begun by Cimabue and Duccio, and completed by Giotto, who is traditionally regarded as the starting point for the development of Renaissance painting. Most panel painting remained more conservative than miniature painting however, partly because it was seen by a wide public.

International Gothic describes courtly Gothic art from about 1360 to 1430, after which Gothic art begins to merge into the Renaissance art that had begun to form itself in Italy during the Trecento, with a return to classical principles of composition and realism, with the sculptor Nicola Pisano and the painter Giotto as especially formative figures. The Très Riches Heures du Duc de Berry is one of the best known works of International Gothic. The transition to the Renaissance occurred at different times in different places - Early Netherlandish painting is poised between the two, as is the Italian painter Pisanello. Outside Italy Renaissance styles appeared in some works in courts and some wealthy cities while other works, and all work beyond these centres of innovation, continued late Gothic styles for a period of some decades. The Protestant Reformation often provided an end point for the Gothic tradition in areas that went Protestant, as it was associated with Catholicism.

The invention of a comprehensive mathematically based system of linear perspective is a defining achievement of the early-15th-century Italian Renaissance in Florence, but Gothic painting had already made great progress in the naturalistic depiction of distance and volume, though it did not usually regard them as essential features of a work if other aims conflicted with them, and late Gothic sculpture was increasingly naturalistic. In the mid-15th century Burgundian miniature (right) the artist seems keen to show his skill at representing buildings and blocks of stone obliquely, and managing scenes at different distances. But his general attempt to reduce the size of more distant elements is unsystematic. Sections of the composition are at a similar scale, with relative distance shown by overlapping, foreshortening, and further objects being higher than nearer ones, though the workmen at left do show finer adjustment of size. But this is abandoned on the right where the most important figure is much larger than the mason.

The end of the period includes new media such as prints along with small panel paintings these were frequently used for the emotive andachtsbilder ("devotional images") influenced by new religious trends of the period. These were images of moments detached from the narrative of the Passion of Christ designed for meditation on his sufferings, or those of the Virgin: the Man of Sorrows, Pietà, Veil of Veronica or Arma Christi. The trauma of the Black Death in the mid-14th century was at least partly responsible for the popularity of themes such as the Dance of Death و Memento mori. In the cheap blockbooks with text (often in the vernacular) and images cut in a single woodcut, works such as that illustrated (left), the Ars Moriendi (Art of Dying) and typological verse summaries of the bible like the Speculum Humanae Salvationis (Mirror of Human Salvation) were the most popular.

Renaissance Humanism and the rise of a wealthy urban middle class, led by merchants, began to transform the old social context of art, with the revival of realistic portraiture and the appearance of printmaking and the self-portrait, together with the decline of forms like stained glass and the illuminated manuscript. Donor portraits, in the Early Medieval period largely the preserve of popes, kings and abbots, now showed businessmen and their families, and churches were becoming crowded with the tomb monuments of the well-off.

The book of hours, a type of manuscript normally owned by laymen, or even more often, laywomen, became the type of manuscript most often heavily illustrated from the 14th century onwards, and also by this period, the lead in producing miniatures had passed to lay artists, also very often women. In the most important centres of illumination, Paris and in the 15th century the cities of Flanders, there were large workshops, exporting to other parts of Europe. Other forms of art, such as small ivory reliefs, stained glass, tapestries and Nottingham alabasters (cheap carved panels for altarpieces) were produced in similar conditions, and artists and craftsmen in cities were usually covered by the guild system—the goldsmith's guild was typically among the richest in a city, and painters were members of a special Guild of St Luke in many places.

Secular works, often using subjects concerned with courtly love or knightly heroism, were produced as illuminated manuscripts, carved ivory mirror-cases, tapestries and elaborate gold table centrepieces like nefs. It begins to be possible to distinguish much greater numbers of individual artists, some of whom had international reputations. Art collectors begin to appear, of manuscripts among the great nobles, like John, Duke of Berry (1340–1416) and of prints and other works among those with moderate wealth. In the wealthier areas tiny cheap religious woodcuts brought art in an approximation of the latest style even into the homes of peasants by the late 15th century.

The oldest Byzantine icon of Mary, c. 600, encaustic, at Saint Catherine's Monastery retains much of Greek realist style.

Romanesque statue of the Virgin as Seat of Wisdom, 12th century

The "Ravensburger Schutzmantelmadonna", painted limewood of ca 1480, Virgin of Mercy type. Attributed to Michel Erhart.

"Hunt of the Unicorn Annunciation" (ca. 1500) from a Netherlandish Book of Hours collected by John Pierpont Morgan. For the complicated iconography, see Hortus conclusus

Medieval art had little sense of its own art history, and this disinterest was continued in later periods. The Renaissance generally dismissed it as a "barbarous" product of the "Dark Ages", and the term "Gothic" was invented as a deliberately pejorative one, first used by the painter Raphael in a letter of 1519 to characterise all that had come between the demise of Classical art and its supposed 'rebirth' in the Renaissance. The term was subsequently adopted and popularised in the mid 16th century by the Florentine artist and historian, Giorgio Vasari, who used it to denigrate northern European architecture generally. Illuminated manuscripts continued to be collected by antiquarians, or sit unregarded in monastic or royal libraries, but paintings were mostly of interest if they had historical associations with royalty or others. The long period of mistreatment of the Westminster Retable by Westminster Abbey is an example until the 19th century it was only regarded as a useful piece of timber. But their large portrait of Richard II of England was well looked after, like another portrait of Richard, the Wilton Diptych (illustrated above). As in the Middle Ages themselves, other objects have often survived mainly because they were considered to be relics.

There was no equivalent for pictorial art of the "Gothic survival" found in architecture, once the style had finally died off in Germany, England and Scandinavia, and the Gothic Revival long focused on Gothic Architecture rather than art. The understanding of the succession of styles was still very weak, as suggested by the title of Thomas Rickman's pioneering book on English architecture: An Attempt to discriminate the Styles of English Architecture from the Conquest to the Reformation (1817). This began to change with a vengeance by the mid-19th century, as appreciation of medieval sculpture and its painting, known as Italian or Flemish "Primitives", became fashionable under the influence of writers including John Ruskin, Eugène Viollet-le-Duc, and Pugin, as well as the romantic medievalism of literary works like Sir Walter Scott's Ivanhoe (1819) and Victor Hugo's The Hunchback of Notre Dame (1831). Early collectors of the "Primitives", then still relatively cheap, included Prince Albert.

Among artists the German Nazarene movement from 1809 and English Pre-Raphaelite Brotherhood from 1848 both rejected the values of at least the later Renaissance, but in practice, and despite sometimes depicting medieval scenes, their work draws its influences mostly from the Early Renaissance rather than the Gothic or earlier periods - the early graphic work of John Millais being something of an exception. [43] William Morris, also a discriminating collector of medieval art, absorbed medieval style more thoroughly into his work, as did William Burges.

By the later 19th century many book-illustrators and producers of decorative art of various kinds had learned to use medieval styles successfully from the new museums like the Victoria & Albert Museum set up for this purpose. At the same time the new academic field of art history, dominated by Germany and France, concentrated heavily on medieval art and was soon very productive in cataloguing and dating the surviving works, and analysing the development of medieval styles and iconography though the Late Antique and pre-Carolingian period remained a less explored "no-man's land" until the 20th century. [44]

Franz Theodor Kugler was the first to name and describe Carolingian art in 1837 like many art historians of the period he sought to find and promote the national spirit of his own nation in art history, a search begun by Johann Gottfried Herder in the 18th century. Kugler's pupil, the great Swiss art historian Jacob Burckhardt, though he could not be called a specialist in medieval art, was an important figure in developing the understanding of it. Medieval art was now heavily collected, both by museums and private collectors like George Salting, the Rothschild family and John Pierpont Morgan.

After the decline of the Gothic Revival, and the Celtic Revival use of Insular styles, the anti-realist and expressive elements of medieval art have still proved an inspiration for many modern artists.

German-speaking art historians continued to dominate medieval art history, despite figures like Émile Mâle (1862–1954) and Henri Focillon (1881–1943), until the Nazi period, when a large number of important figures emigrated, mostly to Britain or America, where the academic study of art history was still developing. These included the elderly Adolph Goldschmidt and younger figures including Nikolaus Pevsner, Ernst Kitzinger, Erwin Panofsky, Kurt Weitzmann, Richard Krautheimer and many others. Meyer Schapiro had immigrated as a child in 1907.

The great majority of narrative religious medieval art depicted events from the Bible, where the majority of persons shown had been Jewish. But the extent to which this was emphasized in their depictions varied greatly. During the Middle Ages some Christian art was used as a way to express prejudices and commonly held negative views.

In Medieval Europe between the 5th and 15th century many Christians viewed Jews as enemies and outsiders due to a variety of factors. [45] They also tended to hate them for being both culturally and religiously different as well as because of religious teachings that held negative views of Jewish people such as portrayals of the Antichrist as Jewish. [46] The Jewish people's economic position as moneylenders, coupled with royal protections that were given to them, created a strained relationship between Jews and Christians. This strain manifested itself in several ways, one of which was through the creation of antisemitic and anti-Judaism art and propaganda that served the purpose of discrediting both Jews and their religious beliefs as well as spreading these beliefs even further into society. Late medieval images of Ecclesia and Synagoga represented the Christian doctrine of supersessionism, whereby the Christian New Covenant had replaced the Jewish Mosaic covenant [47] Sara Lipton has argued that some portrayals, such as depictions of Jewish blindness in the presence of Jesus, were meant to serve as a form of self-reflection rather than be explicitly anti-Semitic. [48]

In her 2013 book Saracens, Demons, and Jews, Debra Higgs Strickland argues that negative portrayals of Jews in medieval art can be divided into three categories: art that focused on physical descriptions, art that featured signs of damnation, and images that depicted Jews as monsters. Physical depictions of Jewish people in medieval Christian art were often men with pointed Jewish hats and long beards, which was done as a derogatory symbol and to separate Jews from Christians in a clear manner. This portrayal would grow more virulent over time, however Jewish women lacked similar distinctive physical descriptions in high medieval Christian art. [49] Art that depicted Jewish people in scenes that featured signs of damnation is believed to have stemmed from the Christian belief that Jews were responsible for the murder of Christ, which has led to some artistic representations featured Jews crucifying Christ. [50] Jewish people were sometimes seen as outsiders in Christian dominated societies, which Strickland states developed into the belief that Jews were barbarians, which eventually expanded into the idea that Jewish people were monsters that rejected the "True Faith". [51] Some art from this time period combined these concepts and morphed the stereotypical Jewish beard and pointed hat imagery with that of monsters, creating art that made the Jew synonymous with a monster. [51]

The reasons for these negative depictions of Jews can be traced back to many sources, but mainly stem from the Jews being charged with deicide, their religious and cultural differences from their cultural neighbors, and how the antichrist was often depicted as Jewish in medieval writings and texts. The Jews were recently blamed for the death of Christ and were thus negatively depicted by the Christians in both art and scripture alike. [52] The tensions between Jews and Christians were incredibly high and this caused various stereotypes about Jews to form and become commonplace in their artistic depiction. Some of the attributes seen distinguishing Jews from their Christian counterparts in pieces of art are pointed hats, hooked and crooked noses, and long beards. By including these attributes in the portrayal of Jews in art, Christians succeeded in ‘othering’ Jews more than they already were and made them seem even more ostracized and segregated from the general population than they already were. Not only were these attributes added into depictions of Jewish People, they were generally portrayed as villainous and monstrous because of their supposed murder of Christ as well their rejection of Christ as the messiah. [52] This, coupled with the fact that they lived in largely insular groups separated them greatly from their Christian neighbors and caused a lasting rift between the groups that are reflected in the medieval art.


Romanesque Art

The period of Romanesque Art started around 1000 AD and lasted to around 1300 with the beginning of the Gothic Art period. Art prior to that is called pre-Romanesque. Romanesque art was influenced by both the Romans and Byzantine Art. Its focus was on religion and Christianity. It included architectural details like stained glass art, large murals on walls and domed ceilings, and carvings on buildings and columns. It also included illuminated manuscript art and sculpture.


Middle Ages Art

The Middle Ages have received their named based on the impression of a relative lack of progress and productivity in the length of time between antiquity and the Renaissance. Despite the early widespread belief that these were”Dark Ages”, the art that remains testifies to a devout and creative people, more innovative than often credited.

Unlike contemporary art practice when pieces are meant to be displayed in a museum or gallery, art in the Middle Ages was almost exclusively commissioned by the church. Even private commissions by individuals were generally related to religion in theme and purpose. Despite common themes and styles, medieval art was created in a variety of media, including painting on board, painting on manuscript, glass, tile, and sculpture in ivory and wood.

Stained Glass

Stained glass windows have become a rather iconic element of Catholic and Anglican churches. Ornamental windows are most commonly seen in the Middle Ages in the churches, but some wealthier individuals included stained glass in their personal chapels within their castles or even, though rarely, in secular contexts. With increased architectural technology available, windows could become bigger allowing more space for decoration and more light to enter the space. Stained glass windows are produced by placing pieces of coloured glass in an iron framework. The glass could then be painted to provide additional detail, like facial features.

As a significant percentage of the population was illiterate, Middles Ages art became necessary for didactic purposes. Windows can be organized to relate biblical narratives such as the crucifixion or last judgment. Other windows contained biblical iconography including symbols of the evangelists or lives of the saints.

In the later medieval period when Gothic architecture reached its prime, some church walls appeared to completely disappear and be replaced with glass. The ability to incorporate so many windows provided more space for depicting narratives, but also brought in much-needed natural light into the church. Above the entranceway, on the façade, many churches exhibit a large rose window, which is circular in shape unlike the more typical rectangular windows.

In Northern and Western Europe stained glass became one of the most prominent forms of church decoration, but in Southern Europe, particularly areas that came in contact with the Eastern Orthodox Church, mosaics were more common. The apse is perhaps the most visible point in a church when the congregation is seated and thus became a special location for mosaics, principally images of God the Father or the Trinity. Depending on the beliefs of the commissioning body, the image of God could be stern and forbidding, as in the Old Testament God, or he could be portrayed as forgiving and peaceful, more akin to the New Testament God.

Within other areas churches mosaics were used to decorate wall and ceiling space. Biblical narratives and patrons of the church were common subjects for mosaics. Using small pieces of glass, ceramic, or other material could not provide quite as precise detailing as is possible in paint, but the shimmering reflection off the varied surfaces creating a mystic aurora around the works.

Illuminated Manuscripts

Though most of the population was illiterate, the monks and nuns in the abbeys and convents led extremely productive lives emphasizing the accumulation and spread of knowledge. Time throughout the day would be devoted to work on manuscripts of biblical and secular texts. Before the invention of the printing press, books had to be written and copied by hand in order to reach an audience.

While some texts contain solely writing, most become works of art unrivaled by contemporary book projects. Illustrations accompanied the text and other decorative elements were added including ornate letters at the start of a chapter and borders. It could take months or years of concentrated labour to produce a single work, and as such, they were extremely expensive and highly valued commodities in the medieval world.

It also became common practice for wealthy men and women to commission their own illuminated manuscripts for personal use. These were referred to as Books of Hours because of the prayers and schedules contained within. Despite being a project outside the Church, the use of artistic items for private prayer is evidence of the devotion of the Middle Ages.

In addition to the detailed worked within, some books received heavily decorated book covers. Some surviving covers are carved in ivory to make the closed book as much of a centerpiece as the illustration within. The relatively small scale of the covers demonstrates the masterful craftsmanship exhibited in sculpture in the Middle Ages.

Icon Paintings

Within the Eastern Orthodox tradition, icon paintings were used as a means of devotion and meditation. The figure of a saint or the Virgin Mary and Child is placed in front of a gold leaf background, often with scenes from the saint’s life surrounding in the central image. When placed in the dim, candle-lit space of a church or cathedral, the sheen of the gold would lend an otherworldly feeling to the otherwise static work. Icon paintings were controversial in the Middle Ages because of concerns regarding making graven images as prohibited in the Ten Commandments. Despite the iconoclastic revolution, many stunning examples of Eastern Orthodox icons remain in museums and collections around the world.

Icon paintings and other paintings on board exhibit the contemporaneous perceptions of the human form as well as ideas of beauty. The figures are often out of proportion, generally being too long and with exaggerated and contorted features, particularly the fingers and the neck. Despite the imperfect renderings of the human figure, paintings were executed with a great degree of skill and detail. Egg tempera was the media used for painting and worked well with very finely haired brushes.

Middle Ages Art Conclusion

The Middle Ages were a period that lasted for almost a thousand years, and given the vast span of time and varied cultures throughout Europe, medieval art reflects this variety to a certain extent. With the vast percentage of Europeans being considered peasants, the main commissioning body was necessarily the Church. Because of this patronage, Middle Ages art was extremely religious in nature, even throughout the different media used. Beyond the subject matter, an interesting aspect that recurs in much medieval art is the theme of light and perception. Stained glass windows are designed to be seen with light pouring through and the gold in mosaics and icon paintings creating atmosphere for the works. To a modern eye, medieval art may seem static and awkward, but the ability to design not only the material but the way it will be perceived is highly sophisticated.


HUM1002 History of Art from Middle Ages

You likely noticed that during the two hundred years covered in this week’s study there were radical changes in how the human figure is depicted in Italy, from something that was highly stylized to an idealized form that looked more real yet was strongly influenced by the Classical Age of ancient Greece and Rome. In Northern Europe, however, depiction of the human form remained somewhat stylized.

Use the textbook and/or online sources to locate and capture three works of art.

  • one from the Early Renaissance (fourteenth century, 1300–1399)
  • one from the Northern European Renaissance (fifteenth century, 1400–1499)
  • one from the Italian Renaissance (fifteenth century, 1400–1499)

Your works of art must either be all paintings or all sculptures.

First, place images of your selected works in a Word document. Then do the following:


The Architecture of Classical Greece

The most noteworthy result of Pericles’ public-works campaign was the magnificent Parthenon, a temple in honor of the city’s patron goddess Athena. The architects Iktinos and Kallikrates and the sculptor Phidias began work on the temple in the middle of the 5th century B.C. The Parthenon was built atop the Acropolis, a natural pedestal made of rock that was the site of the earliest settlements in Athens, and Pericles invited other people to build there as well: In 437 B.C., for example, the architect Mnesikles started to build a grand gateway known as the Propylaia at its western end, and at the end of the century, artisans added a smaller temple for the Greek goddess Athena—this one in honor of her role as the goddess of victory, Athena Nike𠅊long with one for Athena and Erechtheus, an Athenian king. Still, the Parthenon remained the site’s main attraction.

Did you know? Many of the sculptures from the Parthenon are on display at the British Museum in London. They are known as the Elgin Marbles.


Timeline of Art History – Art Movements and Styles

Below is a timeline of art movements throughout history. The beginning of art movements goes back to the dawn of humanity and is still an evolving story.

Before 500 ➤ Ancient Art

Egyptian, Greek/Hellenistic and Roman Art

500-1550 ➤ Medieval Art

Early Christian, Celtic, Byzantine, Coptic, Orthodox, Islamic, Romanesque and Gothic.

1400-1600 ➤ Renaissance Art

Includes Early Renaissance with its Late Gothic elements & Northern Renaissance from c. 1450 & Italian Renaissance aka High Renaissance (1492 to 1527). Coincides with Early Netherlandish(1450 to 1600. Also includes Late Renaissance/ Mannerism/ Transitional Period (1520-1600)


What were the different phases of the Renaissance?

In the interest of time, let's break this topic down into four broad categories.

The Pre- (or "Proto"-) Renaissance began in a northern enclave of present-day Italy sometime around 1150 or so. It didn't, at least initially, represent a wild divergence from any other Medieval art. What made the Proto-Renaissance important was that the area in which it began was stable enough to allow explorations in art to develop.

Fifteenth-century Italian Art, often (and not incorrectly) referred to as the "Early Renaissance", generally means artistic goings-on in the Republic of Florence between the years 1417 and 1494. (This doesn't mean nothing happened prior to 1417, by the way. The Proto-Renaissance explorations had spread to include artists throughout northern Italy.) Florence was the spot, for a number of factors, that the Renaissance period really caught hold and stuck.

Sixteenth-century Italian Art is a category which contains three separate topics. What we now call the "High Renaissance" was a relatively brief period which lasted from roughly 1495 to 1527. (This is the little window of time referred to when one speaks of Leonardo, Michelangelo, and Raphael.) The "Late Renaissance" took place between 1527 and 1600 (again, this is a rough time table) and included the artistic school known as Mannerism. Additionally, The Renaissance thrived in Venice, an area so unique (and supremely disinterested with Mannerism) that an artistic "school" has been named in its honor.


Medieval Christian Art (c.600-1200) Types, History, Characteristics


Christ's Monogram Page (Chi Rho)
in the Book of Kells (c.800)
A treasure of medieval painting
and one of the greatest illuminated
gospel manuscripts from Ireland.

MEDIEVAL CULTURE
For information about the arts
of the Middle Ages in Europe,
see these resources:
Medieval Sculpture
Medieval Artists.

EVOLUTION OF VISUAL ART
For the chronology and dates
of key events in the evolution
of visual arts around the world
see: History of Art Timeline.

For centuries after the decline of Rome, Western Europe was cloaked in barbarian darkness. No city - not even Rome itself - could compare with the magnificence of Constantinople, Cordoba or Baghdad. Europe produced no science, no schools of medieval art, no architecture to compare with its former achievements. For 600 years (400-1000) it remained a cultural backwater. Only one institution survived: the Church. Indeed, the role of the church in maintaining Western civilization and culture was pivotal. It continued to be, for example, the main sponsor of monumental architecture and sculpture. In fact one could say that the line between Christianity and paganism was also the line between Roman civilization and barbarism.

Byzantine Medieval Christian Art

After the sack of Rome (c.450) the headquarters of the Christian Church moved to Constantinople (now Istanbul). Although mostly an Asiatic city, Constantinople ruled over a Byzantine empire that spread into Eastern and Southern Europe. Its principal art forms, included icon painting (derived from Egyptian tomb portraits), mural painting (in both tempera and fresco) and mosaic art. (But see the Byzantium-inspired Garima Gospels 390-660 from Ethiopia's Abba Garima Monastery.) Byzantine icons proved highly popular in Russian medieval painting - see the Novgorod school of icon painting - whose leading painters included Theophanes the Greek (c.1340-1410) and the great Andrei Rublev (c.1360-1430), famous for the Holy Trinity Icon (1411-25) painted for the Trinity Monastery of St. Sergius, now in the Tretyakov Gallery. Similar techniques were adopted during the late Middle Ages in Italy by the Sienese school of painting,and in Russia by the Moscow school of painting.


The Golden Madonna of Essen
(c.980) Essen Cathedral). A rare
example of early Christian sculpture.


Cologne Cathedral built in the
Gothic style - note the soaring
verticality and stained glass.
A masterpiece of medieval
Christian creativity.

Irish Illuminated Manuscripts (650-900 CE)

The finest examples of early Christian art in Western Europe, were the Irish and Anglo-Saxon illuminated gospel manuscripts dating from the mid-sixth century CE. They were succeeded by Carolingan and Byzantine illuminated texts as well as a host of Persian Islamic illuminations. This Insular form of Biblical art combined Celtic artistry with Anglo-Saxon metallurgical skills in numerous abbeys and monasteries across Ireland, such as those in Durrow, Clonmacnois, Clonfert, Kells and Monasterboice, as well as English and Scottish centres of religious scholarship like Iona and Lindisfarne. Created by artist-monks, the earliest examples of this monastic Irish art are the the Cathach of Columba (Colmcille) (c.610), and the Book of Dimma (c.620 CE) others include the Book of Durrow (c.650), the Lindisfarne Gospels (c.700), the Lichfield Gospels, the magnificent Book of Kells (c.800) and the Echternach Gospels. Their decorative content incorporated different combinations of red, yellow, green, blue, violet, purple, and turquoise blue. Some even used gold and silver text. With their fabulously intricate Celtic spirals, rhombuses, carpet pages and miniature pictures, these treasures must have appeared dazzling to the monks and people of the day. That said, most of this early Christian art remained portable and hidden, largely due to Viking banditry and the general insecurity of the Dark Ages.

EVOLUTION OF VISUAL ART
For a quick guide to specific
styles, see: Art Movements.

Carolingian Art (750-900) - Ottonian Art - Romanesque Style

On the Continent, by the late eighth century (c.775), the Frankish Empire of the Christian King Charlemagne had become the strongest of the new states formed since the collapse of Rome. Over the next century, it extended itself across France, Germany, Holland and Belgium, and part of Italy. Charlemagne's court in Aachen attracted scholars, monks and theologians from all over Europe, and in the process sparked a cultural revival - Carolingian Art - that took over from the Irish art renaissance (c.650-900), which itself was beginning to come under pressure from the Vikings. Strongly inflenced by the Late Antiquity and Byzantine era, Charlemagne's scriptoriums and calligraphy workshops produced outstanding illuminated Christian manuscripts, such as: the Godscalc Evangelistary, the Lorsch Gospels and the Gospels of St Medard of Soissons. Also, Carolingian ivory carvers produced numerous examples of outstanding early Christian sculpture, in the form of plaques, dyptychs and personal fixtures. (For a discussion of Carolingian influence in 'Germany', see German Medieval Art).

After Charlemagne came the era of Ottonian art, renowned for its architecture, as well as its precious metalwork - exemplified by works such as: the celebrated gilded oak carving entitled the Gero Cross (965㫞, Cologne Cathedral the Golden Madonna of Essen (c.980, Essen Cathedral), made with gold leaf and cloisonné enamel and the Cross of Otto and Mathilda (c.973, Essen Cathedral). This in turn was followed by the first European-wide movement of the Middle Ages known as Romanesque art, of which an influential regional school was that of Mosan art, which emerged around Liege in present-day Belgium. Leading exponents of the school - which was noted in particular for its champlevé style of enamelling - included the goldsmiths Nicholas of Verdun (1156-1232) and Godefroid de Claire (1100-73).

For more about architecture, see: Romanesque Architecture for details of its plastic arts, see: Romanesque Sculpture, for religious mural paintings see: Romanesque Painting.

Power and Patronage of the Church

With the religious support of Rome and the secular support of Charlemagne, European bishops - often men of powerful families - became key figures in local and regional affairs. With a new Millennium on the horizon, the church was poised to extend its patronage of religious art across Western Europe. Beginning with the stimulation of Romanesque style murals and illuminations in France and Spain, along with cathedrals at Santiago de Compostela (Spain) and Autun (France), this stirring of Roman power gathered momentum with the founding of new religious orders (Benedictines, Cluniacs, Cistercians), who helped to expand the genres of architecture, sculpture, and other visual arts, exemplified by the construction of the great European Gothic cathedrals and by the consequent upsurge in stained glass art. For a brief guide, see: Gothic art. For specific details of statues and reliefs, see: Gothic Sculpture. This Christian stimulus to the growth of European art - reinforced by elements of Byzantine Christian art - culminated in the great Renaissance movements which swept across the Continent in the fifteenth century.

• For other art movements and periods, see: History of Art.
• For styles of painting and sculpture, see: Homepage.


Watch the video: العصور الوسطى. كيف عاشت أوروبا بهذا العصر المظلم. الجزء الأول (شهر اكتوبر 2022).

Video, Sitemap-Video, Sitemap-Videos